Attrice, giornalista e conduttrice

Chiara Buratti è immersa nel mondo dello spettacolo a 360°. Quando la incontri, dai suoi occhi traspare la forza di una donna autentica, che ha dovuto affrontare diverse vicissitudini e ha trovato la determinazione per reagire.

Il presente la vede impegnata in numerosi progetti. A partire da quello letterario con Io dico, volume che restituisce la voce e l’anima di Giorgio Faletti attraverso testi poetici inediti e aforismi: una selezione di scritti scelti da chi lo ha conosciuto profondamente.
Non manca l’impegno cinematografico con la presentazione di Rumore Dentro, il film dedicato a Piero Pelù. È proprio in occasione della proiezione al Finale Music Festival che abbiamo incontrato Chiara per questa intervista.

Chiara, vorrei partire da una tua citazione molto intensa, contenuta nella prefazione dell’ultimo libro di Giorgio Faletti, dove dici che il personaggio teatrale che lui aveva scritto per te era «esattamente la donna che avresti sognato di diventare».

Cosa aveva la protagonista de L’ultimo giorno di sole — come donna, come forza, come destino — che la Chiara di allora desiderava profondamente? E guardando invece alla Chiara di oggi, cosa senti di aver conquistato che, vivendo nei panni di quella donna, forse non avresti mai avuto?

La protagonista de L’ultimo giorno di sole, lo spettacolo che Faletti ha scritto per me, è in un certo senso un connubio tra ciò che sono io e ciò che era lui. C’è la sua parte più vulnerabile e la mia parte più timida e insicura, che però si trasforma in consapevolezza.

Con Giorgio ci siamo conosciuti e lui ha scritto di questa donna rock. Linda, questo il nome del personeggio che davanti a un’ipotetica fine del mondo decide di non andarsene. Resta ad attendere questa fine cominciando a ripensare a sé stessa, aprendo i cassetti della memoria e rivedendo un po’ tutta la propria vita.

Lo spettacolo è cantato, perché cantare serve a esorcizzare il dolore. Si parla anche dell’attesa, che può essere bellissima ma anche profondamente angosciante.
C’è molto di me in quel personaggio, anche etimologicamente: Chiara e Linda sono entrambe “trasparenti”.

Fino a qualche anno fa ero molto, molto timida. Oggi mi sento più un animale sociale: ho curiosità verso gli altri, voglia di conoscere il mondo e di cercare sempre punti di vista diversi. Prima avevo paura di buttarmi. Le vicende della mia vita mi hanno cambiata.

Giorgio Faletti mi ha fatto buttare. Non elegantemente: mi ha proprio dato un calcio dicendomi «Adesso, con questo spettacolo, entri nel mondo».

Come inizia il tuo percorso artistico?

Mi sono avvicinata al mondo dell’arte molto presto, iniziando a studiare da bambina. Da sempre sono innamorata del teatro.
Del teatro mi ha colpito l’essere veri, ma in diretta: vivi una circostanza immaginaria che però è reale.

Il mio insegnante di recitazione mi disse: «Tu vivi in maniera ancora più vera sul palcoscenico che nella vita».
Nella vita spesso siamo costretti a fingere. Interpretando un personaggio, quindi mascherandoti, in realtà ti metti a nudo e diventi più vera.

C’è un personaggio che ti piacerebbe interpretare?

Una figura maschile.
Mi piacerebbe interpretare un uomo per provare a mettermi davvero nei panni maschili. In fondo credo di essere un uomo mancato: i miei genitori erano convinti di aspettare un bambino e mi hanno chiamato Matteo per nove mesi… poi la sorpresa.

Lavoro molto con il Teatro Regio di Torino come narratrice, soprattutto per le opere dedicate ai ragazzi. Quest’anno mi hanno detto che avrebbero chiamato un attore maschio per interpretare Mozart. Io ho risposto: «Perché? Potrei farlo benissimo anche io».
La prossima sfida è proprio questa: interpretare una figura maschile.

A proposito di figure maschili partiamo da quella importantissima di Giorgio Faletti che è stato uno degli artisti più poliedrici sicuramente del panorama italiano.

Si oserei dire un intellettuale poliedrico perché molti non lo consideravano un intellettuale.

Il nostro è stato un rapporto molto alla pari, ed è questo che mi è piaciuto di lui. Nel momento in cui ha visto un mio spettacolo teatrale mi ha detto: «Voglio che tu sia la mia voce femminile».

Lui era molto attirato dai contrasti, da tutto ciò che apparentemente sembrava luce e in realtà nascondeva il buio. Era uno stacanovista. All’inizio siamo andati a lavorare all’Isola d’Elba: avevamo il mare davanti, ma per una settimana io, lui e sua moglie siamo rimasti chiusi in casa a lavorare.

Era una persona piacevolissima, ma non ha mai cercato di compiacere nessuno. È stato un rapporto molto schietto, molto alla pari, fatto di pianti e di risate, in cui c’è tantissimo di me e tantissimo di lui. Ed è bello quando nell’arte convivono fragilità, forza e ammaccature.

Mi dispiace che oggi in pochi lo apprezzino per quanto meritava anche sotto la veste di cantautore. Quella era la sua vera passione, la sua vera vita: lui avrebbe voluto essere ricordato soprattutto così.

Un’altra figura maschile importante è Piero Pelù.

Piero era prima di tutto un amico strettissimo di mio marito, Massimo Cotto. Hanno scritto libri insieme. Avevano questa capacità insieme di essere goliardici ma anche molto seri quando dovevano lavorare.
Quando ho avuto un gravissimo problema di salute e sono stata in coma, Piero è stato molto vicino a Massimo, tanto da andare a pregare Santa Sarah. E lo è stato anche con me quando Massimo se n’è andato.

Ha una parte molto dolce, attenta alla cura: un lato umano che da un rocker forse non ci si aspetta.

Tra le figure maschili fondamentali non possiamo non citare quella di tuo marito Massimo Cotto. Una persona molto apprezzata da chi lo ha conosciuto.

Manca come l’aria. Dopo 21 anni di vita insieme è difficile dire cosa mi manchi di più: la sua mano, una risata, la colazione insieme, il confronto su ogni cosa. Manca come l’aria che respiro.

Mi diceva sempre: «Se un giorno me ne andrò, vorrei solo non essere dimenticato».
Credo possa essere orgoglioso: è rimasto dentro ogni persona che ha letto una sua frase, ascoltato un suo verso o la sua voce in radio. È rimasto non solo nella pelle, ma nelle ossa.

Quali sono i tuoi progetti futuri?

Il progetto più imminente è il ritorno in scena di Chelsea Hotel, lo spettacolo teatrale che Massimo aveva scritto quindici anni fa. Lo porteremo in tre luoghi del cuore per lui.
La prima data sarà il 17 gennaio ad Asti, al Teatro Alfieri. Le altre due date saranno a maggio.

Trovo sia giusto che le parole di Massimo continuino a scorrere nell’aria.

La citazione: 

«Sul palcoscenico mi metto a nudo: lì sono più vera che nella vita».

Intervista di Simone Cerri e Letizia Reynaud

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Si parla del suo ultimo album “Sospeso” uscito nel giugno 2023 (🔗link in calce 👇), della sua lotta con la malattia, la sua spiritualità, il suo ritorno sui palchi e anche del suo amore per la figura della Madonna e di Baggio.

Omar Pedrini riesce sempre a stupire restando se stesso, un anima rock sospesa, delicata e combattente allo stesso tempo .. ASCOLTARE PER CREDERE !! (link al fondo)

💿OMAR PEDRINI “SOSPESO” 👉https://amzn.to/3ruGWjL 

Si tratta del diciottesimo disco di OMAR PEDRINI tra gli undici scritti per i Timoria e quelli solisti di cui “SOSPESO” è il settimo.

Un lavoro prodotto col suo storico braccio destro Carlo Poddighe (anche coautore di alcuni brani) e suonato coralmente dalla ormai rodata Omar Pedrini Band, che conferisce al lavoro il sound di una solida rock ‘n roll band, con influenze sonore dal post punk – new wave al prog rock anni ‘70, un po’ Timoria, amato da sempre da Omar. “Nove canzoni e un’Ave Maria” le ha definite l’artista, in attesa di svelare la tracklist del disco.

“Sospeso” è uscito in versione cd, vinile e ovviamente streaming su tutte le piattaforme digitali sotto l’etichetta Virgin Music LAS / Universal Music Italia.

“Credevo fosse il mio album più intimo e invece è quello in cui si sono ritrovati più di tutti in moltissime persone, forse perche in fondo tutti viviamo Sospesi..” 

ASCOLTA l’audio intervista andata in onda, in diretta sulla nostra Radio Partner con Simona Sorbara il 18 luglio 2023, su Radio Italia Uno in collaborazione con MusicandtheCity

Omar Pedrini ha aperto l’edizione 2023 del Vertigo Summer Festival che prosegue con una ricca programmazione.

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di Roberta Perduca

Un live molto intimo e sospeso. Sono passati circa 10 anni dall’ultima apparizione live in Italia dei Mùm ma la lunga attesa è stata ripagata ed il pubblico presente all’ Hiroshima Mon Amour di Torino  ha potuto ascoltare i nuovi brani registrati in Puglia (NDR Il nuovo
album al momento è ancora senza titolo) e quelli del passato, in un concerto dalle atmosfere eteree e suggestive. Il live, molto apprezzato, si è concluso tra lunghi applausi  tutto ciò a conferma del piacere, del pubblico, nell’ascoltare nuovamente il loro stile non convenzionale.

Melodie tenere e delicate come una ninna nanna, mescolate  all’elettronica della scuola tedesca, che evocano emozioni diverse. I 5 islandesi, orfani delle due gemelle Valtýsdóttir, (Örvar Þóreyjarson Smárason, Gunnar Tynes, Sigurlaug Gísladóttir, il percussionista-batterista finlandese Samuli Kosminen e il chitarrista statunitense Jeffrey Tyler Ludwick, l’ultimo arrivato) hanno incantato il pubblico presente, in certi momenti dello show osservandosi intorno era emozionante notare come le persone, ad occhi chiusi, fossero intente a ballare sulle note di clavietta , ukulele, tastiere, synth, tutti insieme in perfetto sincrono quasi come foglie mosse dal vento in un bosco incantato, in un clima rarefatto e mistico.

Lunghi brani strumentali alternati a brani cantati, chitarre distorte, quasi assillanti, che si intersecano con il beat delle tastiere diventano talvolta carillon talvolta armonie incorporee. Immancabile lo stile Glitch (campionamento musicale degli errori delle strumentazioni elettroniche) da sempre loro marchio di fabbrica.

Dopo il concerto abbiamo incontrato Örvar Þóreyjarson Smárason per una breve chiacchierata. L’intervista è a cura di Roberta Perduca. 

R: Perché la vostra decisone di registrare il nuovo album proprio in Puglia?

O: “Volevamo provare ad andare in un posto nuovo. Spesso quando componiamo nuova musica vogliamo andare in luoghi sconosciuti per cambiare la nostra visione delle cose. Abbiamo un grande amico laggiù, Francesco ( italiano ovviamente) , che ci ha parlato di questo incredibile studio in Puglia, costruito in campagna in un luogo bellissimo nella natura in mezzo al nulla. Siamo stati due settimane ed il primo giorno ho voluto visitare la cittadina vicina e dopo essere tornato non ho più voluto uscire dallo studio perché è importante trovare un posto dove puoi concentrarti su ciò che fai. In passato per registrare siamo stati in un faro dove poter essere isolati da tutto e così è stato anche in Puglia. I suoni dei nuovi brani sono appunto contaminati dal suono e il richiamo della natura”. 

R: In questo periodo storico di continuo cambiamento e del ritorno del rock contaminato dal genere elettronico in che modo i due stili hanno influenzato la vostra produzione?
O: “In realtà noi non separiamo i due stili opposti, anzi cerchiamo di miscelarli da sempre. Come avete potuto ascoltare le nostre canzoni sono tutte diverse tra loro, abbiamo stili differenti che si contaminano tra loro, modi diversi di combinarli, modi diversi di percepire le emozioni che ne scaturiscono in maniera personale”.

R: In che modo la musica elettronica del passato, degli anni 80, influenza quella di oggi?
O: “L’influenza dei pionieri dell’elettronica, come i primi Kraftwerk, si sente ancora oggi e sarà sempre presente…non potrà mai essere rimossa . La musica elettronica è tutta un’ evoluzione ma il suo cuore originale sarà sempre lo stesso”.

Ringraziamo i MùM per la disponibilità, Hiroshima Mon Amour e la Ponderosa Music. 

Scopri tutte le date e le info dei Mùm al link: https://ponderosa.it/artist/mum/

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Lorenz Simonetti, ogni giorno pubblica contenuti musicali sui social da agosto 2020, inizialmente cover richieste dal suoi fans, raggiungendo 180 mila follower attivi su Tik Tok e quasi 3 milioni di like in pochi mesi. Gli stessi lo incitano quotidianamente a pubblicare i suoi inediti. Lorenz ogni giorno riceve centinaia di messaggi: molti sono di ragazzi/e che grazie a lui hanno iniziato a suonare uno strumento o a prendere lezioni di canto, e per ringraziarli dell’attaccamento, decide di far scegliere ai suoi follower stessi il titolo del suo singolo durante le sessioni live di Tik Tok, Instagram, Twitch e all’interno della sua Community Telegram.                                                 Il suo profilo Facebook

“…Se questo è ciò che vuoi, allora stringimi, disegna un cielo che può accoglierci…” Io ti dico, ciò che voglio, lo raggiungerò…”

Con i suoi video virali, che vedono protagonisti soltanto lui, la sua voce e le note della sua tastiera, Lorenz rappresenta oggi un esempio di utilizzo quotidiano positivo dei canali social: diventa ispiratore e motivatore, incita i ragazzi a suonare, ad amare la musica e a credere che i loro sogni si avvereranno se ci metteranno tutto l’impegno possibile. Lo stesso messaggio, è contenuto in “Disegna Un Cielo”.

Lorenz Simonetti, nasce nel 2001 a Reggio Emilia, inizia a studiare pianoforte dall’età di 6 anni e canto dall’età di 11. Fonda le sue prime band, Alike e Roktura nel 2014, delle quali è cantante e tastierista, totalizzando nel territorio emiliano circa 90 date live in quattro anni nonostante la giovane età. Ora, da solista, scrive e compone i suoi brani.

Lorenz Simonetti è seguito da Mary Tondato al management e da Fausto Cogliati, produttore multi platino, alla produzione musicale. Esce con l’etichetta MTmusic.

Lo abbiamo incontrato e fatto due parole con lui un interessante intervista esclusiva a cura di Letizia Reynaud 

Ciao Lorenzo sei giovanissimo e ti do del tu .. intanto complimenti ” disegna un cielo”  è un brano molto intimo  che guarda a se stessi ma anche al futuro a chi lo hai dedicato?

Disegna Un Cielo è un brano che voglio dedicare a tutte le persone che, come me hanno un obiettivo nella loro vita che vogliono raggiungere ad ogni costo. Disegna Un Cielo è anche per quelli che hanno si un sogno ma che fanno fatica a identificarlo o a raggiungerlo. Nonostante la mia età infatti ho scritto questo testo rivolto alla personificazione della speranza perché fin da piccolo, non ho mai smesso di pensare in grande e fantasticare enormi progetti nella mia testa. Questo avviene tutt’ora e sarà sempre una mia caratteristica. Questo è anche uno dei significati della canzone, mai abbattersi e pensare sempre di poter riuscire a raggiungere i propri obiettivi. Costanza e volontà sono le parole chiave per un atteggiamento vincente nei confronti di un futuro sconosciuto e imprevedibile.

Come è nata la tua esigenza di parlare alla speranza pur essendo ancora così giovane ?

Dal momento che ho avuto modo di essere in contatto con tante persone grazie ai miei canali social, la mia canzone spero possa servire alle nuove generazioni del giorno d’oggi che ho notato essere abbastanza pessimiste, in linea generale, nei confronti del proprio futuro e della loro vita. Spero che ciò che dico infonda negli ascoltatori positività e autostima, in modo da credere sempre in se stessi e nelle proprie capacità. Tuttavia non rivolgo questo messaggio solo alla mia generazione ma anche ai più piccoli e ai più grandi, perchè penso che sia una cosa da tenere a mentre durante qualsiasi periodo della propria vita.

Esprimi concetti molto importanti in maniera molto semplice e di immediata comprensione, a chi vuoi arrivare particolarmente alla fascia di pubblico più vicino alla tua età o anche ad un mondo adulto ? per esempio io in questo brano mi ci ritrovo e non solo, essendo una mamma immagino anche che potrebbero essere parole che un figlio potrebbe dedicare ad un genitore e viceversa? anche per il tuo futuro musicale pensi sia meglio e più bello far passare esattamente il messaggio che contengono i tuoi brani, o lasciare una libera interpretazione ad ogni ascoltatore che può vivere le tue parole secondo la sua esperienza personale?

Il testo del brano può essere interpretato su diverse sfumature del messaggio principale e questo penso sia una caratteristica dei brani che scrivo. Mi piace infatti scrivere qualcosa che voglia trasmettere un significato mirato ma che allo stesso tempo possa essere reinterpretato da ognuno nel modo più soggettivo possibile, cosi da immedesimarsi appieno nella canzone. La musica è infatti una cosa soggettiva che cambia da individuo a individuo e penso sia indispensabile lasciare spazio anche all’ascoltatore nell’interpretazione di essa, senza vincolarlo troppo. Ambendo a un pubblico con una fascia d’età molto varia è ovviamente naturale che debba dare la possibilità a chiunque di potersi immedesimare.

Ti consegno virtualmente un foglio e una matita, se dovessi disegnare adesso un cielo che rappresenti il tuo futuro e quello delle persone che ami, cosa disegneresti per primo ? 

Se dovessi disegnare su un foglio di carta ora come ora il cielo del mio futuro, disegnerei un tramonto pieno di colori. Disegnerei un cielo che porta nelle sue sfumature tutto ciò che ho fatto durante la giornata e pronto a spegnersi mentre aspetta con ansia il passare della notte per poter poi arricchire di emozioni anche il giorno seguente. Tramonto che di giorno in giorno sarà sempre più colorato e ricco delle sue sfumature, fino a quando un giorno si potrà vedere addirittura sull’orizzonte il sole rotondo e rosso che darà un senso alla vista di questo cielo.

Per finire, si è da poco concluso il Festival della canzone Italiana di Sanremo, quest’anno un festival fatto per ridare speranza alla musica. Tu che rapporto hai col festival, ci sono artisti del passato o attuali che ti hanno ispirato nella tua formazione musicale ? 

Avendo sempre ascoltato in gran parte musica internazionale più che musica italiana, non sono neanche mai stato un gran seguace del festival di Sanremo, sebbene mi abbia sempre affascinato. Rimane comunque il palco a livello nazionale più importante per far scoprire  nuova e buona musica alle persone, a questo serve il Festival. Quest’anno l’ho seguito ed ho azzeccato il pronostico della vittoria … 

Per quanto riguarda le mie influenze musicali, si parla di artisti che vengono da tutto il mondo, solisti e band da Ed Sheeran, Jacob Collier, Stevie Wonder, agli Imagine Dragons da James Arthur, Lukas Graham ai Coldplay. Sono sempre stato un ascoltatore di musica in generale che non si è mai soffermato troppo su un artista o genere, poichè mi piace cogliere le parti interessanti di ogni sonorità e gusto musicale, dal pop al funk, dal jazz al rock.

GRAZIE LORENZO  buona fortuna e musica sempre !

Grazie a voi ed un saluto a tutti i lettori di Musicandthecity.it 

Uscito  in Anteprima il 23 febbraio per Sky TG24 il Video Ufficiale di Disegna Un Cielo è on line su YouTube.

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 di Luca Moschini

Abbiamo incontrato Cristian Grassilli, classe 1978, cantautore, psicologo e psicoterapeuta. Dopo aver ascoltato il suo nuovo album abbiamo avuto il piacere di potergli fare alcune domande sulla sua attività ma anche sui grandi dilemmi esistenziali della vita.

Prima di addentrarci nella presentazione del tuo nuovo lavoro, vorrei chiederti subito qualcosa rispetto alla copertina del tuo disco. Curioso l’elefante, animale pachidermico, appoggiato su un tappeto volante, perché questa scelta?

“…Leggero come un elefante su un tappeto volante…” è un verso della canzone Leggerezza, contenuta nel cd. Ho scelto di rappresentarlo in copertina perché l’elefante, animale dotato di grande memoria, simboleggia il portare con sé il proprio “passato” – con a volte i “pesi” connessi –. Mi piace l’idea che questo pachiderma, metafora dell’uomo, si possa concedere questo volo leggero nella vita, diretto verso un futuro ancora da scoprire, immortalato nel presente in questo bellissimo disegno, realizzato dalla grafica e illustratrice bolognese hellobea.

Presente è un progetto il cui filo conduttore è la rinascita, la resilienza, il perdonare soprattutto se stessi. Quando hai iniziato a scrivere i brani questo progetto era già chiaro o è nato pian piano nelle tue canzoni?

Nel cd ci sono canzoni più e meno recenti: le canzoni che ruotano intorno ai temi che hai riportato sono le ultime che ho scritto, figlie di un mio avvicinamento alla meditazione buddista e a letture sull’argomento effettuate negli ultimi due anni. Il progetto, quindi, non era chiaro fin dall’inizio: ha preso corpo e sostanza nel tempo, nutrendosi e intrecciandosi a interessi  – e vicende – personali da cui sono nate le canzoni che, a posteriori, hanno assunto una coerenza d’ insieme.

Il sentimento che emerge nei dieci brani del disco è di positività, suggerisce chiaramente che tutti possono avere una possibilità, un’occasione, per ripartire.  Qualunque cosa accada nella vita. Quanto una canzone può aiutare chi la ascolta in tale intento? E’ capitato anche a te, almeno una volta, di far ricorso alla scrittura di una canzone come occasione per ripartire? 

Una canzone è un caleidoscopio di suoni e parole che ci tiene compagnia e, a seconda del momento di vita in cui la ascoltiamo e della storia che abbiamo alle spalle può assumere significati diversi per ciascuno. Talvolta ci identifichiamo in una canzone, come se ci sapesse “raccontare” meglio di qualunque altro, come se ci invitasse un po’ a conoscerci meglio: può esserci d’aiuto per riflettere su noi stessi, per incoraggiarci…ma poi tocca a noi fare il passo per cambiare.  Sì, in realtà mi è capitato più di una volta: mi vengono in mente due canzoni a tema che ho scritto “Abbi cura di te” e proprio “Si rinizia”, scritta dopo un mio periodo di blocco creativo. L’incipit del brano è a dir poco eloquente …“Si rinizia da dove ho lasciato/da un temperino arrugginito/ e dal blu di quella gomma/ che col tempo è scolorito”.

Tu sei un cantautore, componi musica e testi, racconti storie personali e di altri. Ascoltando il disco ho ritrovato atmosfere gucciniane e so che hai anche collaborato con lui. Cosa vuol dire per te scrivere un testo? E scrivere confrontandoti con un mostro sacro come Francesco Guccini?

Scrivere un testo per me significa riuscire a raccontare una storia in immagini, in parole che sappiano poi rimbalzare l’un l’altra, intrecciandosi con i loro suoni e riempendo di nuovi significati un tema che mi è caro.

E’ un gioco simile a un cruciverba, visto che si parte da un’idea iniziale, da un indizio, e si va alla caccia di una parola, che non sempre si svela in tempi brevi. Aver avuto la possibilità di conoscere Francesco Guccini e di collaborarci la considero una grande fortuna e un grande regalo della vita: 10 anni fa Guccini aveva scritto una prefazione per un libro/cd di canzoni sul tema della salute mentale “Psicantria: manuale di psicopatologia cantata” che ho realizzato insieme a un amico cantautore e psichiatra di Modena, Gaspare Palmieri, con cui abbiamo fondato il progetto Psicantria. Abbiamo poi scritto un brano “Notti” che abbiamo fatto ascoltare a Francesco e ha deciso di inserirlo nel suo ultimo cd, “L’ultima Thule”, ritoccando il testo in alcuni punti. Per noi è stata un’emozione fortissima, gli sono molto grato.

Oltre all’attività cantautorale sei uno psicologo. Il lavoro di psicologo ha alcuni punti di contatto con il lavoro da musicista perché il musicista che sta di fronte al pubblico deve saper cogliere e stimolare le reazioni di chi lo ascolta e lo guarda, esattamente come fa uno psicologo. Allora ti chiedo quanto le due professioni si contaminano, e quanto si influenzano?

Penso che le due professioni abbiano in comune la parola “ascolto”:  ascolto dell’altro, della sua storia, del suo linguaggio e del suo modo di esprimersi, attraverso l’uso di processi di sintonizzazione che passano indiscutibilmente attraverso la relazione che si co-costruisce, dalla sala prove allo studio di psicoterapeuta. In me le due professioni si influenzano e si contaminano ogni giorno, poiché mi danno la possibilità di crescere, di conoscermi più a fondo e di avere il privilegio di uno sguardo sul mondo che passa – anche – attraverso le persone con cui lavoro. Capita poi che nel lavoro con gli adolescenti chieda di ascoltare le loro canzoni preferite in seduta, delle quali poi parliamo: quei piccoli scrigni di 4 minuti possono essere una più facile chiave di accesso alla loro vita, ai loro racconti per farsi conoscere più a fondo. Mi piace tantissimo.

Questa situazione generata dalla pandemia, ha creato forte disagio sia dal punto di vista economico sia dal punto di vista psicologico. Gli eventi, così come i concerti, sono stati cancellati. Sappiamo che andare ad un concerto non significa solo assistere ad un live ma è momento di incontro e scambio. Che tipo di ripercussioni psicologiche e culturali può comportare nelle persone l’astinenza da aggregazione, socializzazione e condivisione?

Fin da piccoli iniziamo a costruire la nostra identità, il nostro sé, grazie alla presenza di un altro significativo che si prende cura di noi: questa pandemia ci ha costretto a limitare i contatti, le relazioni  e i rapporti come li conoscevamo, togliendoci così un nutrimento prezioso per sentirci capiti, ascoltati e per condividere le nostre esperienze. Tutto ciò ci sta ancora mettendo a dura prova dopo un anno, e la solitudine e la privazione di socialità hanno avuto, su alcune fasce di persone, un aumento della sofferenza individuale, come riportano recenti dati su un aumento del malessere soggettivo, soprattutto tra i giovani.

Per la composizione utilizzi maggiormente, se non totalmente, strumentazioni acustiche. Immagino che anche live, quando si potrà, porterai uno spettacolo acustico. Hai già qualcosa in mente?

Sì, mi piacerebbe che gli arrangiamenti delle canzoni si possano aprire a più formazioni possibili, risultando così adattabili a diversi contesti live. Mi accompagno con il piano o la chitarra e questo mi offre la possibilità di creare diverse sonorità e situazioni live di duo, trio o quartetto. Considero preziosa la presenza di Lorenzo Mantovani (bravissimo chitarrista e arrangiatore del disco) con il quale ho un rodato feeling nei live e concludo dicendo che  la formazione che mi piacerebbe di più ricreare è riunire sul palco tutti i musicisti che hanno suonato nel disco.

Per chi fosse interessato ad ascoltare il disco “Presente” lo può trovare su spotify. Per chi volesse acquistare la copia fisica del cd, visto che è privo di distribuzione nei negozi di musica, può farne richiesta scrivendomi in pvt sulla mia pagina artista di Facebook.

SCOPRI IL SUO ALBUM E LA SUA BIO 

CRISTIAN GRASSILLI “PRESENTE” il nuovo disco di Musicoterapia

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di Gianluca Talento /ph. Gianluca Talento

Si è concluso ormai da quasi una settimana il Festival di Sanremo, ma non si sono ancora chiusi i battenti del Teatro Ariston per la kermesse della canzone italiana. Domani sera infatti, partirà dalla città dei fiori il nuovo teen talent di Antonella Clerici, nel quale verranno riproposti 68 anni dei più bei successi cantati dal palco dell’Ariston. In attesa di ascoltare ancora tanta buona musica, gustatevi la galleria di foto scattate durante Domenica In Sanremo.

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Splendido spettacolo del cantautore calabrese al Folk Club

di Ermanno Eandi

Peppe Voltarelli indubbiamente è bravo, sul palco è simpatico e genuino, ha un’ottima voce ed è terribilmente calabrese.

Il suo stile è eterogeneo sembra un Paolo Conte della Sila con la voce di Modugno, i testi delle sue canzoni non sono mai banali anzi, spesso affrontano tematiche sociali molto scottanti, ma sempre con un tocco di leggerezza e una goccia di ironia, tipica del profondo Sud.

Sul palco è da solo: nella prima parte con una chitarra, nella seconda con un pianoforte,  per due ore la sua grinta e la sua anima si sono fuse con il pubblico, regalando a loro una piacevole sensazione di gioia, con la consapevolezza di aver assistito ad un concerto di un vero professionista.

Le canzoni sono tratte dal suo ultimo lavoro “Lamentarsi come ipotesi”, piacciono sin dal primo ascolto,  molte cantate in italiano ed alcune in lingua calabrese, tutte introdotte da simpatici ed intelligenti monologhi del cantautore.

Dopo lo spettacolo lo incontriamo. Siccome è veramente poliedrico e versatile gli chiediamo:

Come  si definirebbe, musicalmente parlando?

Lui sorride.. “Io sono semplicemente un artigiano della canzone, sono bluesman, un rocker di provincia, che suona e canta la sua vita e le sue emozioni”

 Alcuni suoi brani hanno il profumo di Paolo Conte…

“Sì, è vero. A volte mi ispiro ad artisti che amo. Ho scritto delle canzoni che sono dei tributi a Paolo Conte, perché è un maestro che stimo molto, un faro della musica leggera e per me  un punto di riferimento”

Nei suoi cd ci sono sempre alcuni brani in calabrese: quanto le è servita è quanto lo ha penalizzato la sua identificazione con quella regione?

“Vivere in Calabria ti da un bagaglio di esperienze che difficilmente uno dimentica. Per me è un punto di partenza e di origine. Con la mia musica ho il privilegio di raccontare e rappresentare un grande popolo, mi sento dentro questa comunità e la porto in giro”

Ci può parlare del suo ultimo cd?

“È un progetto difficile, però anche semplice”

Questo sì che è parlar chiaro, può essere più preciso?

“Sono canzoni  che rientrano nel panorama della musica leggera italiana, parlano di me, della mia terra. Vede, è difficile parlare di se stessi, diciamo che in questo disco ho messo tutta la mia anima. Oltre ai brani in italiano, ci sono anche due pezzi in calabrese e l’ultimo pezzo, che è solo strumentale, è un tributo alla fisarmonica strumento che amo moltissimo”

Peppe Voltarelli un vero musicista, un artista puro, che combatte e crede nella sua arte e forgia pezzi di autentica bravura… In bocca al lupo!

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